Casa-Museo Benlliure

Situada en la calle de la Blanqueria, en Valencia, al lado del antiguo cauce del Río Turia y entre el museo Muvim y las torres de Serrano, este museo, que anteriormente fue usado como residencia del mismo autor de el que recoge sus obras hoy en día, pasa algo desapercibida. Cuando una persona pasa por delante de el museo, puede atraer su mirada por segunda vez, pero seguramente, y por desgracia, no lo suficiente como para atraerla a entrar, lo cual es una pena, ya que es dentro donde la casa-museo cobra su significado y su valor. Y es que es en este museo en el que se recoge la mayor colección de obras de José Benlliure Gil.

Nada mas entrar nos encontramos una planta baja con una serie de estancias domésticas en las que se encuentran expuestas varias obras, tanto de José Benlliure, como de algunos contemporáneos como Joaquin Sorolla, Muñoz Degrain, Rusiñol, etc... Cabe destacar también que las estancias están completamente amuebladas con elementos de epoca. En la primera planta lo que encontramos son trabajos del hijo de José, Peppino, y del escultor Mariano Benlliure.

En la parte de atrás de la vivienda encontramos un patio en el que tenemos un jardín de traza mediterránea, decorado con azulejos, esculturas y elementos arquitectónicos que el dueño fue recogiendo a lo largo de su vida de construcciones que iban siendo derruidas o rehabilitadas.

Al final del jardín hay una reconstrucción de lo que fue el estudio del autor, con varias de sus obras, elementos que usaba para estas (trajes que usaba como modelos, instrumentos musicales, armas, etc...).

En general me pareció una visita muy entretenida, ya que mezcla muchas cosas interesantes, desde obras del autor que, ademas, vivió en esa misma casa, obras de otros autores, familia o no de Jose Benlliure, hasta incluso el amueblamiento que tenia la vivienda en aquella época, lo que logra un ambiente que recrea los años en los que se vivió, y a la vez da ese toque de museo que consigue no ser monótono. Ademas el jardín que se encuentra entre la vivienda y el estudio le da el toque de naturaleza del que carecen prácticamente la mayoría de los museos. Con todo esto, es una pena que no sea tan conocido, ya que estoy convencido que mucha gente lo disfrutaría enormemente.

ANÁLISIS DE UNA FOTOGRAFÍA

Esta fotografía fue tomada por nosotros durante la primera semana de agosto de este verano en El Portet, Moraira (España), mientras grabábamos unas tomas para el vídeo que íbamos a hacer de nuestro paso por Moraira de este verano.
 La imagen tiene un tamaño estándar 10x15cm.
Lo mas llamativo de la fotografía es desde donde esta tomada. Al verla, el espectador puede pensar que esté tomada desde una avioneta, y no estaría mal encaminado, ya que fue tomada desde un Drone que tenemos y manejamos para obtener perspectivas aéreas para nuestros vídeos.
En la imagen obtenemos una perspectiva a vista de pájaro y sobre el propio mar de la cala de El Portet, Moraira.

La imagen es un retrato del paisaje costero donde nos encontrábamos, por tanto, se centra en mostrar la fusión del mar y la montaña que se da lugar en ella.

En cuanto al color, los tonos que mas destacan son los verdes, presentes en los árboles y las montañas sobre las que escalan las urbanizaciones, pero sobretodo, los tonos azules, presentes en el mar y el cielo de la composición,

La luz de la fotografía, obviamente se trata de una luz natural de primera hora de la tarde, que dota a la imagen de una claridad excepcional, característica del levante valenciano.

Uno de los aspectos mas interesantes de la imagen son los arboles, como juegan y se adaptan a las pequeñas urbanizaciones del entorno, y como salpican de color la trama urbanizada de la fotografía.
También destaca el color del mar, marcado por las rocas del fondo y las agrupaciones de algas que dotan a esa playa de un encanto especial.

Para concluir, os dejo el enlace del vídeo donde utilizamos esta toma para la introducción:

https://www.youtube.com/watch?v=HJcWOiN7g5Y&feature

CASA-MUSEU BENLLIURE

  De las tres prácticas de campo realizadas en la asignatura, es la visita a este museo la que más me ha interesado y con la que más he aprendido, es por esto que lo he elegido para hacer esta entrada del blog. He de decir que desconocía la existencia de este museo y es que, pese a que tiene un gran valor cultural, ya que contiene obras de uno de los más importantes pintores valencianos (ensombrecido por Joaquin Sorolla), está bastante maltratado y es poco visitado y conocido. 

  

  El Museo acoge las obras de José Benlliure Gil y de su hijo José Benlliure Ortiz también llamado Peppino, pero también encontramos obras de Mariano Benlliure, Joaquín Sorolla y Francisco Muñoz-Degrain. Recrea el ambiente de la casa donde vivió esta destacada familia de artistas valencianos y es un claro ejemplo de vivienda de la alta burguesía, con tres alturas (que reflejan una estratificación social) y jardín interior.

   

  En la casa-museo podemos ver los muebles de la época en buen estado de conservación, lámparas, armarios, alfombras y enseres domésticos, también los libros y piezas arqueológicas de José Benlliure. Distinguimos la sala de visitas, sus despachos, el comedor, dormitorios… En el primer piso se exponen pinturas de José Benlliure Gil, en el segundo piso pinturas de Peppino y en el tercero bocetos y pinturas de otros artistas.

  El acceso al museo conserva la típica puerta de casa de pueblo, muy amplia para permitir el paso a carros y animales, la escalera que conecta con las plantas superiores se sitúa a la derecha, dejando al fondo del vestíbulo el acceso al jardín que fue diseñado por el propio Benlliure y donde acumulaba esculturas, elementos cerámicos y objetos de piedra que obtenía de demoliciones que en esa época se producían en Valencia. Al fondo del jardín se sitúa el estudio del pintor, la fachada trasera de la vivienda, que da al jardín, es posiblemente la nota negativa del museo debido a que, está totalmente restaurada y no ha respetado el diseño original.

EL ARTE EN LA PUBLICIDAD

  Hoy en día es claramente apreciable la influencia que el arte tiene en la publicidad, así como antiguamente el arte representaba la alta cultura y la publicidad la cultura popular, en la actualidad convergen y es posible ver una obra de arte en un anuncio o viceversa, dependiendo de cómo se enfoque dicha obra. La publicidad ha jugado un papel fundamental en la transformación de la tradición, de la cultura, y juntamente con el arte ofrecen un producto cultural y un producto de consumo al mismo tiempo.

  

  Esta confluencia produce un debate, con dos puntos de vista. Hay quien rechaza esta práctica porque cree que exponer la obra artística como simple producto, la hace peor, la denigra. Sin embargo hay otras opiniones (entre las que yo me encuentro) que, defienden la democratización cultural que esto supone, permite la transmisión de cultura, de arte, de conocimiento al fin y al cabo, llevándolos a un amplio sector de la sociedad que no tiene acceso a grandes museos, galerías y exposiciones.

  

  

  Un ejemplo llamativo, original y bastante reciente, de publicidad/arte, es la restauración de El Ecce Homo. Esta pintura de Elías García, tuvo mucha repercusión a nivel internacional, cuando Cecilia Giménez “restauró” la obra de arte. Tras aparecer en todos los informativos, programas de televisión, periódicos, revistas, en las redes sociales… Se convirtió en un reclamo turístico y generó grandes ingresos económicos a la iglesia y al pueblo donde está ubicada.

  

  Ocasionó toda una oleada de versiones humorísticas, aparecieron representados personajes de actualidad y sirvió de base de multitud de chistes, siendo la comidilla de todas las conversaciones. Con el paso del tiempo, la obra pasó a ser un icono, incluso generando un gran número de peticiones que reclamaban, que se dejara la obra como estaba sin repararla.

  A continuación se muestran algunos ejemplos, de cómo las marcas aprovecharon este momento y utilizaron la restauración de la obra como reclamo.

-Optics Schilling: 

-Nintendo DS:

-Bodegas Ruperte:

-Bodegas Aragonesas:

Invierno en Alcudia de Veo

Esta fotografía fue tomada el último dia del año pasado, en un pueblecito de Castellón llamado Alcudia de Veo. La cámara en esta ocasión era una GoPro montada en un palo para conseguir unas fotos desde la altura. Ademas venia equipada de serie con un filtro de ojo de pez, lo que da una efecto redondeado a la foto.

En ella aparece un grupo de gente en un ambiente rural, ya que nos encontramos en un paseo en mitad del monte del pueblo ya mencionado. Aquí observamos una serie de bancos, y lo que es una mesa para meriendas abajo a la izquierda. Hay un camino que atraviesa la composición de izquierda a derecha por el medio de la foto, y por detrás de este camino arboles. Finalmente al fondo se vislumbra una montaña.

El hecho de que algunas personas estén mirando a la cámara y otras no, da a pensar que la foto fue avisada, pero que seguramente no todo el mundo se entero de que se estaba haciendo, o que decidieron no mirar al objetivo. Ademas, a parte del hecho de que la cámara estaba unida a un palo para conseguir hacer fotos desde una altura mayor, el fotógrafo en ese momento estaba subido en un terraplén, dándole mayor altura.

Para finalizar, respecto a la situación y momento de la foto, como ya he mencionado antes data del 31 de diciembre del 2013, en un paseo de Alcudia de Veo. Por el poco abrigo que lleva la gente podemos deducir que pese a ser invierno, o no hacia mucho frió, o el hecho de haber caminado durante un rato había hecho entrar en calor a los mismos.

Verano en Navajas

Esta foto fue tomada en un camino rural que hay un poco a las afueras de Navajas. La fotógrafa, una amiga que ademas es fotógrafa profesional, uso un filtro azulado en su cámara a la hora de hacer la foto.

La composición de esta es vertical. Podemos observar en ella un camino al que se accede y del que se sale por unas escaleras, y a la izquierda una fuente con una serie de caños, de uno de los cuales esta bebiendo otro amigo mio. El camino ocupa la mayoría de la composición, y al ser tomada la foto desde uno de sus accesos, queda alineado.

A parte de la persona bebiendo, hay otra (yo) subiendo las escaleras. La foto fue tomada sin preparacion ni aviso previo, por lo que salio al natural. Esta tomada desde un punto mas elevado del que me encontraba yo, de ahi el punto de vista.

Para acabar, señalar que esta foto fue tomada en verano, como se puede observar por la ropa.

Instrumentos del mundo

Se trata de una pequeña exposición realizada por aula museo Musit. En ella se exponen diferentes instrumentos tradicionales del mundo. Esta exposiciónexposición recoge las cuatro familias de la clasificación instrumental:
Aerófonos: aquellos instrumentos que se hacen con el       aire.
Cordófonos: aquellos que se hacen sonar por la vibración de las cuerdas.
Membranófonos: aquellos que se hacen sonar por la vibración de una membrana.
Idiófonos: aquellos que se hacen sonar golpeándose contra sí mismos.
Los instrumentos estaban colocados por grupos de familias dispuestos sobre unas mesas cubiertas con telas rojas, de esta manera los instrumentos destacaban más. Y se completaba con unos paneles informativos que contenían información de los instrumentos y las diferentes familias.
La misma también contaba con una exposición oral por parte de los responsables del aula museo Musit. En ella explicaban más detalladamente cada instrumento, su historia,... Además de una pequeña demostración de como sonaba el instrumento.
Me pareció una exposición interesante y entretenida ya que trataron de hacerla más interactiva. Y trataron de acercarla más a los niños enseñándoles a construir sus propios instrumentos tradicionales. Pues su objetivo es crear afición.

Antes de que desaparezcan

Esta fotografía pertenece a Jimmy Nelsson, reportero gráfico y fotógrafo británico (nacido en 1967 en Sevenoaks, Kent, vive en Ámsterdam e Ibiza) y realiza fotografía de publicidad y editorial, y conocido por sus retratos de los pueblos indígenas y tribales.

Una de las curiosidades de Nelsson y algo que sin duda ha marcado su carrera es qu vivio en África hasta los 10 años, y en ella se ha inspirado la gran parte de su trabajo

Para mi es algo increíble, ya que Nelsson consigue traernos imágenes increíbles e impactantes, que parecen de otro mundo y otra época, pero no, son actuales, como mucho de los últimos 20 años, Nelsson consigue abrirnos la mente, y enseñar que no todos somos iguales, que hay culturas extraordinarias apartadas y rechazadas por la sociedad actual pero que seguro que en muchas cosas se pueden considerar mas avanzados que la nuestra.

En la imagen podemos ver a un individuo de una de esta tribus, en este caso parece alguien importante, por la cantidad de abalorios y el sombrero. 

Una de las cosas que mas destaca son los colgantes, pendientes, hojas, y más aun la vara de madera que le atraviesa el puente nasal, algo que a simple vista nos parece de otro mundo o de otra época, cuando nosotros los jóvenes a la mínima que podemos nos hacemos piercings o nos tatuamos.

Pero sin duca lo que mas destaca es el color de su cara, de un amarillo muy intenso en el que se ven marcadas la fracciones de su cara, a parte de las líneas rojasqie le cubren mejillas y cejas, esto otorga un color muy llamativo que unido a la composición tan oscura de la foto, por su fondo y por la propia pilen del personaje crea un contraste digno de observar con detenimiento.

La publicidad y el arte

La publicidad y el arte

Relación ejemplificada sobre la unión histórica publicidad-arte

A lo largo de la historia de la publicidad el publicitante ha buscado de las maneras mas rebuscadas e inimaginables la atención de el público, se podrían nombrar numerosas estrategias y técnicas con las que se puede llamar la atención para captar usuarios, compradores o interesados.

Pero si hay algo claro es que muchos de estos publicitantes han utilizado el trabajo ya hecho, es decir, que ya antes de ellos alguien utilizó estos recursos para catar la atención y suscitar emociones o sensaciónes, se trata de los artistas.

Esta claro que y se podría nombrar numerosos ejemplos de esta relación, pero lo realmente importante es que lo que unos un día hicieron por arte, investigación, o por pura belleza , hoy en día y en los últimos años se esta utilizando como método de captación de clientes, es decir, para ganar dinero.

Un ejemplo curioso y atípica que he encontrado es este enuncio de la compañía automovilística Mazda:

En este anuncio podemos ver claramente una relación artística entre el cubismo vanguardista de principios del siglo XX con este nuevo modelo de coche.

Se relacionan por que la idea basica del cubismo era representar diferentes perspectivas en dos dimensiones a traves de un sistema de planos y facetas, esto lo podemos observar en el cuadro de la mujer desnuda, donde la padre derecha tiene diferente perspectiva que la izquierda, al igual de en el coche, donde a la derecha lo vemos de cara pero a la izquierda de perfil.

Este es uno de muchos ejemplos de relación de arte-publicidad, pero sin duda, lo que esto demuestra es que realmente los artistas han sido grandes genios, y que hoy en día, aunque sea para algo tan banal como la publicidad, imitamos y copiamos sus tendencias y métodos

Bici de veraneo

  Esta fotografía se realizó en el verano de 2014, se trata de mi bici de verano, con la playa y el mar de fondo, perteneciendo al género de paisaje. La luz es natural, con mucha intensidad y el foco situado fuera de la imagen, con dirección de arriba abajo (que se aprecia por la proyección de la sombra de la bici). La distancia focal es corta, pero tiene mucha profundidad. Tiene un formato horizontal y el punto de vista es paralelo al plano del suelo, aportando estabilidad y tranquilidad a la composición. Se aprecian dos ejes que estructuran la imagen, uno vertical formado por la farola y la palmera, y otro horizontal formado por el muro.

  

  La imagen está tomada en Piles, me recuerda a mis veranos, mi estación favorita, donde no pasa el tiempo. El calor del sol, la brisa del mar, el agua refrescante y relajante, la calidez de la arena, son aspectos que creo que refleja la fotografía. El sujeto principal de la fotografía, es una bici de mi abuelo que juntos reparamos y que yo utilizo en esta época del año, por eso cada vez que la veo me acuerdo de él y de mi estilo de vida en verano.

El Teatro Romano de Sagunto

  Esta fotografía se realizó el pasado 18 de Octubre, se trata del teatro romano de Sagunto, perteneciendo al género de vista urbana. La luz es natural, abundante y el foco está situado fuera de la imagen, con una dirección derecha-izquierda. La distancia focal es larga, teniendo mucha profundidad, pero debido a la gran dimensión del edificio, parte de éste queda fuera de la imagen. Tiene un formato apaisado y el punto de vista es picado, es decir, la cámara se sitúa por encima del objeto fotografiado. Se puede apreciar equilibrio, simetría y el gran peso que tiene la escena en el objeto arquitectónico.

  La obra levantó una gran polémica y propició un debate (muy crispado y manipulado) sobre los criterios de intervención en monumentos, siendo discutida todavía en la actualidad. La intervención realizada por G.Grassi y M.Portaceli, tiene 3 características: la unidad cávea-escena, la diferenciación de la parte original y la intervenida, y el retorno de la función para la cual, fue concebido el edificio. Rompe con el concepto de reparación/conservación y es un ejemplo claro de este tipo de rehabilitación en ruinas históricas.

JUEGO DE LUZ

Esta fotografía trata de un Workshops en mi escuela de arquitectura. El tema estaba de reinterpretar un lugar abandonado, y de crear espacios con la ayuda de bambú.

La fotografía fue tomada en el fin de la tarde y había una ventana en la parte superior a la izquierda de la fotografía. Entonces, podemos ver una luz que ilumina los bambús. Lo que es interesante en esta fotografía es de ver como una intervención artística puede mezclarse con un lugar abandonado y puede cambiar la percepción de un lugar. El fin de este trabajo fue de ver como podemos intervenir sobre un lugar para le dar otra significación, otro uso, con la ayuda de solamente un material. 

En nuestra propuesta había un juego de luz con la densidad de los bambús que se reflejaba sobre el suelo y el muro. En esta fotografía podemos ver los efectos de luz que puede crear esta instalación. Esta fotografía fue tomada al momento del día donde había los más efectos de luz. 

ELOGIO DE LA SOMBRA

Esta fotografía fue tomada en el convento “Saint Marie de la Tourette”, edificio de Le Corbusier que fue construido en 1956 en el pueblo de Evreux en el Norte Oeste de Lyon. Este convento fue construido para el centro de formación de los jóvenes monjes Dominicanos.

Esta sala es en el lado del coro, es la sala de oración.

La fotografía fue tomada en negro y blanco para hacer hincapié en la luz y las sombras. En efecto el trabajo sobre la luz en las obras de Le Corbusier es muy importante. Aquí trabaja con luz cenital gracias a cañón de luz situado en el techo.

Me parece interesante de hacer la fotografía en negro y blanco aunque el color es también una cosa importante en esta obra porque la luz tiene un carácter importante particularmente en este edificio. La luz permite de aumentar el carácter sagrado de este lugar. Como lo vemos en esta sala, el tratamiento de la luz por el techo y el juego con las sombras crea un lugar íntimo y sagrado.

Me parece importante que la fotografía puede transmitir el sentimiento de un lugar. 

En esta imagen aparece un solo personaje en primer plano. Aparece en el centro de la composición y está seccionado a la altura de la cintura. En un segundo plano los chorros de agua de una fuente.
La imagen tiene un punto de vista elevado. El personaje es enfocado desde arriba, y de esta manera el suelo se levanta y ocupa el resto de la imagen.
En cuanto a la luz que ilumina la escena es, una luz artificial que proviene de las farolas de la calle. Aunque no aparece un foco de luz claro en la imagen, por las sombras que se crean vemos que la escena está iluminada desde la derecha. Y también produce reflejos en el agua.
En esta imagen está muy presente el movimiento. En el momento de la fotografía había movimiento, que ha sido fotografiado dejando un rastro de las secuencias del mismo que nos permite intuir el movimiento que estaba llevando a cabo el personaje.
El personaje de la fotografía es mi primo pequeño y fue tomada una tarde cualquiera de paseo por la ciudaad. Creo que con el barrido de la imagen se plasma perfectamente la energía y la hiperactividad que tienen niños pequeños, y es para mí lo que representa.

LA CONTENCIÓN Y LA EXPRESIVIDAD EN EL ARTE DRAMÁTICO

  La expresión del rostro y de los gestos ha sido un tema trascendental en la historia del arte, diferentes movimientos, épocas y artistas, lo han abordado de distinta manera. Encontramos por un lado la inexpresividad e hieratismo del arte arcaico como podemos ver en los Kouros, la distorsión y expresividad del arte gótico y medieval, como ejemplo las figuras del Pozo de Moisés de Claus Sluter. Por otro lado, podemos ver claramente las diferencias en la interpretación del David, mientras que el de Miguel Ángel representa la placidez y sobriedad típica del arte clásico y renacentista, la obra de Bernini denota el dinamismo, movimiento y emoción del arte barroco.

  En este comentario quiero analizar estos aspectos en profundidad y su aplicación en el arte dramático, es decir, en el cine, el teatro y las series de televisión. Es llamativa la diferencia entre dos de los más importantes grupos de actores, entre los actores ingleses y los actores americanos.

  Los seguidores de la serie de HBO Juego de Tronos, de gran éxito internacional, están fascinados con Charles Dance, que interpreta a Tywin Lannister (el malo malísimo que toda gran historia debe tener). Si hay algo que caracteriza a este personaje es la frialdad y el miedo que inspira cada vez que aparece en escena y es que éste, es un personaje profundamente inquietante. Sin embargo, si analizamos formalmente sus actuaciones, nos damos cuenta que el actor logra transmitir todo esto, con una contención brutal típica de la escuela inglesa, sin apenas expresión en su rostro y movimientos e incluso a menudo sin intervenir verbalmente. El autor únicamente con “estar” ya provoca sensaciones en el espectador, es decir, lleva implícito su mensaje.

  En contraposición están los actores americanos, que como son los más importantes e influyentes, está más extendido su estilo. Por ejemplo Al Pacino y Jack Nicholson, dos de los más grandes actores de los últimos tiempos, galardonados con Oscars y Globos de Oro, son sumamente histriónicos y expresivos en sus actuaciones, recibiendo algunas críticas por sobreactuar en ocasiones y ser demasiado caóticos y estrafalarios.

  Personalmente, aunque a priori, parece que el estilo inglés, más sutil, está mucho más elaborado, debido a que es más difícil transmitir las emociones de esta manera, y el estilo americano parezca más primario, no creo que un estilo sea mejor o superior al otro, ya que obviamente el estilo americano también tiene su complejidad y tiene que conseguir esquivar la sobreactuación. Simplemente son maneras distintas de entender e interpretar el arte dramático, teniendo ambas sus virtudes y defectos.

EL ARTE Y LA PUBLICIDAD

En esta entrada  se pretende reflexionar sobre la relación entre el arte y la publicidad, entonces, llegados a este punto podemos buscar una definición que las relacione: "La creatividad sin estrategia, es arte. La creatividad con estrategia, se llama publicidad" Jef Richards, profesor de publicidad.

 ¿El arte es publicidad? ¿ La publicidad es arte? Creo que es una tarea complicada pero, el arte no es publicidad en tanto que su función es estética y la publicidad no es arte en tanto que su función es comercial. Sin embargo, sí que podemos encontrar dos claras tendencias que los vinculan. A lo largo de este siglo hay una tendencia en algunos movimientos artísticos a utilizar recursos procedentes de la publicidad; del mismo modo, en publicidad podemos encontrar ejemplos de carteles o reclamos que tratan de acercarse en sus concepciones plásticas al arte.

Muchos artistas pop, como Warhol,  utilizaban elementos publicitarios en sus obras, no porque le gustara la forma plástica en si misma de la marca sino porque le permite utilizarlas como metáforas para explicar la sociedad consumista en la que vivía.

A continuación mi intención es sólo mostrar varios ejemplos de como, a través de las campañas gráficas, los publicistas han recurrido al mundo del arte como referencia constante. 

1. El uso que hizo NOKIA de  La Creación de Adán  de la Bóveda de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel y considerada la gran obra pictórica del autor.

2.Otro caso utilizado recientemente sobre los frescos de la Capilla Sixtina, aunque no sobre el Nacimiento de Adán, fue el de Adidas en la parada de Metro de la Catedral de Colonia durante el Mundial de Fútbol de 2010. En este caso se trata de una representación de la obra ya que los personajes son sustituidos por futbolistas. 

 

3.Campaña publicitaria sobre productos para el cabello de la marca Pantene, realizada sobre la famosa obra de Leonardo Da Vinci, La Gioconda.

4.Otro ejemplo reciente es el de la Lechera (marca de postres lácteos) asociándolo con la obra de Veermer,  del mismo nombre.

Por último, un videoclip  un poco absurdo del grupo musical Hold Your Horses titulado “70 MIllion”, que contiene interpretaciones de grandes lienzos de la pintura universal.

https://www.youtube.com/watch?v=erbd9cZpxps

Sánchez Sarrió, Daniel

HAR  2ºA

El arte en la publicidad

La relación entre la publicidad y el arte es muy estrecha. Podemos ver ejemplos de arte en anuncios que se emiten a diario en cualquier cadena de televisión de formas muy diversas. La obra de arte usada no siempre mantiene su significado y/o forma original, sino que a veces los anunciantes la modifican para cambiar su significado, de forma irónica e incluso a veces con intención de darle el sentido contrario.

Es también necesario conocer con qué se relaciona la marca que incluye arte en su publicidad ya que esto nos dará más conocimiento sobre lo que quieren transmitirnos.

La publicidad puede utilizar obras de arte para crear notoriedad, informar, educar, cambiar actitudes, favorecer la recordación, construir imagen, determinar el posicionamiento, atraer al público, localizar nuevos clientes potenciales, entre otros objetivos. El arte connota una serie de valores, los cuales pueden aparecer ligados a la marca desde el momento en el que se produce la vinculación de ésta con una obra artística.

Sin embargo, esta inclusión del arte en la publicidad puede provocar cierta controversia, ya que hay quien considera que la obra artística expuesta producto publicitario se desgasta y denigra, perdiendo su esencia y valor. Por otra parte, hay quien apoya el arte en la publicidad, defendiendo la idea del arte para todos, de la transmisión de los conocimientos artísticos a un público de masas.

De esta forma y en mi opinión, la inclusión del arte en la publicidad no me parece una mala idea. Al incluir obras de artes, que por desgracia cada vez menos gente conoce, dentro de la publicidad que esta presente diariamente y durante toda la vida de prácticamente todo el mundo, se logra un aprendizaje indirecto y una apreciación de esta gente hacia el arte, pudiendo llegar a reconocerlo y diferenciarlo si en algún momento lo vieran en persona.

“Ultima cena de leonardo da Vinci” de la firma de ropa Marithe et Francois Girbaud

Ian Molina

 

  

 



                                                                                 Autor: C. Vera 

 

 

Es una fotografía de hace ya algunos años, y la verdad es que me gusta mucho y me parece bastante interesante.

Se trata de una imagen simétrica. Un retrato en formato horizontal donde aparecen tres personajes: uno central y otros dos, uno a cada lado, que han sido seccionados. El hecho de que los dos personajes de los lados estén seccionados crea un efecto interesante que ya ponían en práctica los impresionistas.

Me gusta porque de cierta manera implica al espectador. Hay un contacto visual entre el espectador y los personales de la fotografía.

Pero por lo que más me gusta es que, aunque no lo parezca, fue una fotografía espontánea. Un instante único captado por la cámara de manera aleatoria.

Además me trae buenos recuerdos la imagen y me resulta divertida. Son de esas fotos con las que se te escapa una sonrisa cuando las ves.

 



RICHARD SERRA – EQUAL-PARALLEL: GUERNICA-BENGASI

Pude efectuar una visita el museo nacional centro de arte Reina Sofia en Madrid. Es un museo de arte moderno y de arte contemporáneo. El museo se instaló en el antiguo hospital de San Carlos. La rehabilitación en museo comenzó en 1980. En 2002 una extensión del museo es pedida al arquitecto  Jean Nouvel. El edificio presenta entonces una combinación entra arquitectura antigua y moderna. El museo presenta obras que van de 1900 hasta nuestros días.

En este museo pudimos ver una exposición de Richard Serra titulada Equal-Parallel: Guernica-Bengasi que data de 2001. Richard Serra es un artista de arte contemporáneo americano. Sus obras son asimiladas más particularmente al arte minimalista.

Esta exposición fue especialmente crea para el museo de Reina Sofía en el marco de la exposición Referencias. El título hace referencia a dos hechos históricos: el bombardeo de la cuidad portuaria Libia de Bengasi por la aviación americana en 1986 y el bombardeo de Legión Condor de Luftwaffe que destruyo la cuidad de Guernica el 26 de abril de 1937.

La obra es constada por 4 bloques sólidos de acero CORTEN.  Dos de los cuatro bloques son cuadrados; los otros dos son rectángulos de la misma profundidad. Richard Serra dispuso de los bloques alineándolos y alternando entre ambas formas. La altura de los bloques es siempre la misma, es de 148, 5cm lo que corresponde a la dimensión en altura del alféizar de las ventanas. Las chapas son laminadas, y no poseen ninguna marca, ningún picado con el fin de dejar como máximo el material bruto. Lo que es importante en las obras de Serra es el diálogo sutil entre la obra y el entorno. Sus obras crean una nueva espacialidad. El espectador puede pasar, circular entre las diferentes esculturas. La instalación de los diferentes bloques también crea una ilusión óptica, la percepción de la obra cambia en función del posicionamiento del espectador. Richard Serra también juega mucho sobre la noción de peso. La utilización del acero reenvía un material muy pesado que se hace sentir cuando pasamos al lado de la obra. Sus esculturas son imponentes y transpone así en calidades graficas el peso, la masa, la gravedad. Entonces sus obras son impresionantes a ver.

Publicidad Perrier sobre el tema de “la persistencia de la memoria” de Dalí.

Perrier va a desviar la obra de Dalí, “la persistencia de la memoria”, para la realización de una publicidad. Varios carteles publicitarios serán realizados sobre este tema.

“La persistencia de la memoria” es una obra de Dalí realizada en 1931. En este cuadro) Dalí denuncia la rigidez del tiempo, opuesta a la persistencia de la memoria. Esta obra refleja el miedo de la avanzada del tiempo y de la muerte. El cuadro es constado por tres relojes muelles y un duro sobre un fondo de un paisaje mediterráneo que representa la estabilidad, lo que se queda en la memoria. Tenemos entonces un contraste entre la memoria representada por el estable y el tiempo que pasa representado por los relojes muelles.

En la publicidad de Perrier, deciden dirigir un mundo donde un calor sofocante derretiría el entorno. Las publicidades son creas sobre tono exagerado, surrealista y sensual. El autor crea un contraste entra el aspecto viscoso de las cosas que fundan y el aspecto límpido y el claro de la bebida refrescante. Porque efectivamente podemos observar que solamente las botellas Perrier no fundan. En esta publicidad Perrier alaba el mérito refrescante de la bebida mostrando que es la sola solución para resistir al calor.

Finalmente la reproducción de un cuadro pede servir para alabar un producto. Utilizando las características de un cuadro, la publicidad añade un valor artístico que permite notar la diferencia y valoriza el producto.  

    

El arte en la publicidad

  

Éstas son dos imágenes fácilmente reconocibles. La primera es una obra de Miguel Ángel que podemos ver en la Capilla Sixtina, ``La creación de Adán´´. La segunda es el logo de la marca Nokia, que en parte nos recuerda a la anterior. 

Miguel Ángel representa el momento en que Dios da vida a Adán, el primer hombre. Tiene sentido que la marca Nokia haya escogido una sección de esta obra para representar su marca puesto que es el primer fabricante de teléfonos a nivel mundial.

Nokia modifica la imagen y la adapta a la marca manteniendo el paralelismo de su significado. En el logo de Nokia aparece la mano de un adulto: padre, creador; y de un niño: hijo, a quien el padre da vida. Es decir, las dos imágenes representan la creación de algo nuevo. Además el logo de la marca se complementa perfectamente con el slogan: ``Conecting people´´ (Conectando a gente).

Me parece una elección acertada la de Nokia, y es interesante la manera en la que relaciona las dos ideas.

Comentario: El Color, Félix Azúa

Lucas Riera Bronchales

Comentario de Texto sobre el relato de Félix de Azúa sobre el color

El texto es un constante análisis sobre la idea principal basada en que los colores no son axiomas como tales, es decir, no son verdades universales ya que el propio color es cambiante dependiendo de los ojos por los que son vistos.

El texto comienza con una apreciación histórica muy significativa ya que plantea la situación de la mitología griega en la que Iris (parte del sistema ocular con la que percibimos el color), es madre de Eros ``Cuya actividad se reduce a complicar la existencia a los mortales atrayéndolos entre si con varia fortuna´´. Aquí se ve claramente la idea que se quiere exponer ya que relaciona la percepción de el color con la duda en forma de madre-hijo.

El color no está en las cosas, sino en la relación entre las cosas y nosotros; Es decir que aunque puedan transmitirnos sensaciones e información, el humano nunca llegara a conocer la idea verdadera de azul, blanco, o verde.

A demás, la percepción de el color cambia en relación al contexto en el que nos encontremos, ya que por ejemplo los esquimales pueden distinguir numerosas tonalidades de blanco o como que las personas que convivieron con la televisión en blanco y negro distinguen más tonos de grises que las personas que nacieron ya con la televisión a color, que en su caso distinguen más tonalidades de rojo.

Por otra parte al final de el texto, Félix de Azúa hace un llamamiento al color, incita a el uso de colores más llamativos y vivos en televisión, vestimentas, publicidad… Alegando que el sistema tecnócrata y de control de los medios están monopolizando la gama de colores, Esto hace que a uno se le venga a la cabeza la escuela Fauvista, en la que el color era el protagonista y se usaban amplias gamas cromáticas y con gran brillo.

Estoy completamente de acuerdo con el texto, ya que a demás de basarse en datos científicos constatados, realiza una crítica social a el uso de los colores, pero sobre todo, advierte y explica al lector de que los colores NO existen.

EL COLOR

LOS COLORES NO EXISTEN

Los colores no existen como tales, tan solo son una forma de interpretar la realidad que los seres humanos nos hemos visto obligados a desarrollar. De esta forma, a lo largo de la historia, los seres humanos hemos ido "inventando" colores o, mas bien, asociando sensaciones con nombres para facilitar la comunicación entre nosotros. El origen de los colores es cada cual mas raro y extravagante. Por ejemplo, el amarillo y sus tonalidades fué determinado por médicos medievales a través de la orina, el carmesí de un insecto y el púrpura de un cefalópodo fenicio.

 Por tanto, como dice el texto, "para cada persona de culturas diferentes, cada color representará una realidad distinta". Según esta afirmación, que personalmente me parece muy acertada, cuando un Español piensa en verde, no lo hace en el mismo tono que lo haría un Polaco en su misma circunstancia, por ejemplo.

A lo largo del texto se define al color de muchas maneras distintas, cada cual depende de la forma de interpretar la realidad de su autor. Yo me quedo con la definición de J. C. Sanz "El color es una sensación incomunicable" si para cada ser humano, un color representa una realidad personal, es imposible catalogarlos o tratar de definirlos.

Con el tratado de Chevreuil, en 1864, se trató de estudiar, ordenar, y clasificar los colores en una guía cromática. Hoy en día, con el desarrollo de la tecnología, se han catalogado 14.000 tonalidades distintas, la mayoría imperceptibles para el ojo humano.

Por tanto, como conclusión, podemos decir que la realidad del color, por mucho que la estudiemos y nos aproximemos a ella, siempre va a escapar del ojo y del cerebro humano. Es una realidad inalcanzable, una percepción tan personal y subjetiva, que es imposible encontrarle una definición racional.

Comentario de la voz "Color" del Diccionario de las Artes de Félix de Azúa

  Este texto trata principalmente la subjetividad del color, el autor expone una serie de ejemplos y motivos por los cuáles el color, no es percibido igual ni transmite las mismas sensaciones a todo el mundo.

  El autor deja también claro que, pese a algunos autores clásicos como Newton y Goethe, y otros más contemporáneos como Edgar Degas que describía literariamente las diferentes gamas cromáticas de paisajes, J. C. Sanz que defendía que el color era una comunicación entre el espectador y el objeto físico o Wittgenstein que estudiaba el color como un juego del lenguaje, el color no ha sido estudiado en profundidad por la ciencia o la filosofía.

  La cultura juntamente con la religión, és uno de los ejemplos que explica el autor para la no-objetividad del color. Dependiendo de la tradición, historia, ambiente y clima de cada lugar, el color tendrá un significado o llevará implícito un concepto diferente al que pueda tener en otros lugares. Una anécdota llamativa descrita por el autor, cuenta que, en las cruzadas religiosas un mismo color, utilizado por ambos bandos, el azul, era diferenciado y percibido de distinto modo por los cristianos y los árabes.

  En mi opinión, en un ejemplo que narra el autor dentro de éste apartado, no está acertado. Me refiero a la diferente percepción en un mismo lugar y un mismo tiempo del color del mar, de un italiano, un español y un francés, personalmente no creo que el mar sea de un color concreto, sino un amplio espectro de colores, que dependen del clima, el lugar, el tiempo, la luz...   

  

  El hábito de los individuos, también afectará a la capacidad de conocer más unas gamas cromáticas frente a otras, por ejemplo, la cantidad de diferentes blancos que pueden percibir los esquimales, la relación marrón-verde de los saharianos, la amplia gama de grises que son capaces de diferenciar aquéllos que han crecido con el cine y la fotografía en blanco y negro y por contra, la ausencia de esta gama por los nacidos estos últimos 30 años.

  Por último, el autor critica el exceso de gama cromática existente en la actualidad, defendiendo el estudio de colores "reales", presentes en algún lugar materialmente, y también se posiciona contrariamente a la poca utilización hoy en día de los colores a la hora de vestir (excepto en mujeres y niños), en algunas vertientes artísticas... ya que el color es un elemento capaz de comunicar, de expresar, de transmitir.

 

  

El color

Maréchal Charlène

EL COLOR

Félix de Azúa - Diccionario de las artes

Al principio el color está presente en la naturaleza con el fin de ordenar el entorno y de permitir a cada especie domesticarlo y sobrevivir. Entonces cada especie no ve todos los colores, esto depende de lo que necesita para sobrevivir.

Así como es explicado en el texto, algunas personas se interrogaron sobre la definición del color.  Wittgenstein había deducido que el color era algo del orden de la sensibilidad, y que era al igual que el lenguaje: un medio para los humanos de expresarse y organizar la sociedad. Entonces, en este sentido podemos decir que el color es algo puramente subjetivo.

En primer lugar, nuestra sensibilización a color depende de nuestro entorno. Efectivamente, el entorno directo de una cultura induce sobre la percepción de los colores, sobre su interpretación y su utilización. Algunos colores serna más fáciles a distinguidas que otros por ejemplo. (Como el ejemplo con los esquimales que distinguen diferentes blancos.)

Después, cada sociedad se sirvió de colores, códigos colores con el fin de dar significados a las cosas siempre en un fin de organización. Los colores tienen sentido, un significado preciso. Utilizamos algunos colores para cualquiera razón según la sociedad en el cual vivimos.

Cada cultura, cada sociedad enumeras varias colores. Y su utilización es la dependiente de cada cultura. Es decir que no definiremos de la misma manera el color de un elemento según de donde se viene. Finalmente el nombre de colores también es algo subjetivo.

Pero, podemos añadir a esto que el entorno físico no es el solo factor para la interpretación de los colores. La temporalidad también desempeña un papel. Como lo explica el texto, los tiempos modernos se volvieron excesivos en todo, entonces en color también. Gracias a los progresos técnicos, la producción de color progresó y encontramos hoy un número fenomenal de tonalidad. El autor explica que este fenómeno tiene consecuencias sobre nuestra percepción del color porque por ejemplo las jóvenes generaciones son incapaces de apreciar los diferentes matices de gris al contrario de nuestros padres que tenían la costumbre con las fotos y las películas en bancas y negro.

En conclusión podemos decir que mucho factor influye en la percepción de los colores pero que también evoluciona con tiempo.

El texto a para fin de explicarse en qué el papel del color es importante en el arte y en particular aquí en la pintura.

Efectivamente el autor se interroga sobre el valor colorimétrico de las descripciones que efectúa Edgar Degas. Se pregunta lo que finalmente representa todas estas descripciones calorimétricas y sobre todo cual es el sentido de todos los adjetivos que utiliza Edgar Degas. Podríamos encontrar esto absurdo porque todas estas definiciones del paisaje son sólo una interpretación de su ojo y nadie definiría el paisaje de esa manera. Pero, es esta calidad que es tomado en consideración por el autor: El pintor debe establecer su propia paleta cromática porque es par él un medio de dar su propia definición del mundo, y igualmente de mostrar lo que siente a través los elementos que pinta.

Entonces, me pareció interesante en este texto que el autor subraye de ese modo la subjetividad del color. Me parece importante de utilizar el color igualmente al lenguaje en fin de poder expresar lo mejor posible lo que sentimos cundo vemos las cosas y de dar nuestra propia interpretación.

Color

No todas las personas vemos los colores iguales. No es igual un mismo color para diferentes personas, así como tampoco es igual la cantidad de colores y matices que pueden diferenciar. Una persona puede ver algo de un "color", y otra de otro según su lugar de origen, ya que no es lo mismo la imposición o el asentamiento de un color en países diferentes. De esta forma, una persona que vive en el desierto diferenciara mas tonos de marrón y naranja que una persona que viva en la ciudad, igual que una persona de mayor edad diferenciara mas tonos de grises que una menor.
Por esto mismo, la mejor forma de transmitir a una persona la sensación deseada por un color, es la pintura. De esta forma, el artista no deja al espectador que se imagine como debería ser el color que pretende mostrar, sino que le enseña exactamente como es, pese a que con seguridad no todas las personas vemos un mismo color igual.
Sin embargo con los tiempos modernos, el color ha perdido su significado. Se ha pasado de su uso a su desuso por una parte de la población. Colores serios están ligados a personas serias, y por contra colores mas vivos son a menudo relacionados con aquellas personas mas despreocupadas, inmaduras, e incluso rebeldes. Ahora que estamos en una era en la que tenemos miles de colores donde elegir, decidimos no usarlos.

Diccionario de las Artes.
Félix de Azua