domingo, 14 de diciembre de 2014

El Teatro Romano de Sagunto


  Esta fotografía se realizó el pasado 18 de Octubre, se trata del teatro romano de Sagunto, perteneciendo al género de vista urbana. La luz es natural, abundante y el foco está situado fuera de la imagen, con una dirección derecha-izquierda. La distancia focal es larga, teniendo mucha profundidad, pero debido a la gran dimensión del edificio, parte de éste queda fuera de la imagen. Tiene un formato apaisado y el punto de vista es picado, es decir, la cámara se sitúa por encima del objeto fotografiado. Se puede apreciar equilibrio, simetría y el gran peso que tiene la escena en el objeto arquitectónico.


  La obra levantó una gran polémica y propició un debate (muy crispado y manipulado) sobre los criterios de intervención en monumentos, siendo discutida todavía en la actualidad. La intervención realizada por G.Grassi y M.Portaceli, tiene 3 características: la unidad cávea-escena, la diferenciación de la parte original y la intervenida, y el retorno de la función para la cual, fue concebido el edificio. Rompe con el concepto de reparación/conservación y es un ejemplo claro de este tipo de rehabilitación en ruinas históricas.

JUEGO DE LUZ






Esta fotografía trata de un Workshops en mi escuela de arquitectura. El tema estaba de reinterpretar un lugar abandonado, y de crear espacios con la ayuda de bambú.
La fotografía fue tomada en el fin de la tarde y había una ventana en la parte superior a la izquierda de la fotografía. Entonces, podemos ver una luz que ilumina los bambús. Lo que es interesante en esta fotografía es de ver como una intervención artística puede mezclarse con un lugar abandonado y puede cambiar la percepción de un lugar. El fin de este trabajo fue de ver como podemos intervenir sobre un lugar para le dar otra significación, otro uso, con la ayuda de solamente un material. 
En nuestra propuesta había un juego de luz con la densidad de los bambús que se reflejaba sobre el suelo y el muro. En esta fotografía podemos ver los efectos de luz que puede crear esta instalación. Esta fotografía fue tomada al momento del día donde había los más efectos de luz. 

ELOGIO DE LA SOMBRA




Esta fotografía fue tomada en el convento “Saint Marie de la Tourette”, edificio de Le Corbusier que fue construido en 1956 en el pueblo de Evreux en el Norte Oeste de Lyon. Este convento fue construido para el centro de formación de los jóvenes monjes Dominicanos.
Esta sala es en el lado del coro, es la sala de oración.
La fotografía fue tomada en negro y blanco para hacer hincapié en la luz y las sombras. En efecto el trabajo sobre la luz en las obras de Le Corbusier es muy importante. Aquí trabaja con luz cenital gracias a cañón de luz situado en el techo.
Me parece interesante de hacer la fotografía en negro y blanco aunque el color es también una cosa importante en esta obra porque la luz tiene un carácter importante particularmente en este edificio. La luz permite de aumentar el carácter sagrado de este lugar. Como lo vemos en esta sala, el tratamiento de la luz por el techo y el juego con las sombras crea un lugar íntimo y sagrado.
Me parece importante que la fotografía puede transmitir el sentimiento de un lugar. 


martes, 9 de diciembre de 2014




En esta imagen aparece un solo personaje en primer plano. Aparece en el centro de la composición y está seccionado a la altura de la cintura. En un segundo plano los chorros de agua de una fuente.
La imagen tiene un punto de vista elevado. El personaje es enfocado desde arriba, y de esta manera el suelo se levanta y ocupa el resto de la imagen.
En cuanto a la luz que ilumina la escena es, una luz artificial que proviene de las farolas de la calle. Aunque no aparece un foco de luz claro en la imagen, por las sombras que se crean vemos que la escena está iluminada desde la derecha. Y también produce reflejos en el agua.
En esta imagen está muy presente el movimiento. En el momento de la fotografía había movimiento, que ha sido fotografiado dejando un rastro de las secuencias del mismo que nos permite intuir el movimiento que estaba llevando a cabo el personaje.
El personaje de la fotografía es mi primo pequeño y fue tomada una tarde cualquiera de paseo por la ciudaad. Creo que con el barrido de la imagen se plasma perfectamente la energía y la hiperactividad que tienen niños pequeños, y es para mí lo que representa.

lunes, 1 de diciembre de 2014

LA CONTENCIÓN Y LA EXPRESIVIDAD EN EL ARTE DRAMÁTICO

  La expresión del rostro y de los gestos ha sido un tema trascendental en la historia del arte, diferentes movimientos, épocas y artistas, lo han abordado de distinta manera. Encontramos por un lado la inexpresividad e hieratismo del arte arcaico como podemos ver en los Kouros, la distorsión y expresividad del arte gótico y medieval, como ejemplo las figuras del Pozo de Moisés de Claus Sluter. Por otro lado, podemos ver claramente las diferencias en la interpretación del David, mientras que el de Miguel Ángel representa la placidez y sobriedad típica del arte clásico y renacentista, la obra de Bernini denota el dinamismo, movimiento y emoción del arte barroco.
  En este comentario quiero analizar estos aspectos en profundidad y su aplicación en el arte dramático, es decir, en el cine, el teatro y las series de televisión. Es llamativa la diferencia entre dos de los más importantes grupos de actores, entre los actores ingleses y los actores americanos.

  Los seguidores de la serie de HBO Juego de Tronos, de gran éxito internacional, están fascinados con Charles Dance, que interpreta a Tywin Lannister (el malo malísimo que toda gran historia debe tener). Si hay algo que caracteriza a este personaje es la frialdad y el miedo que inspira cada vez que aparece en escena y es que éste, es un personaje profundamente inquietante. Sin embargo, si analizamos formalmente sus actuaciones, nos damos cuenta que el actor logra transmitir todo esto, con una contención brutal típica de la escuela inglesa, sin apenas expresión en su rostro y movimientos e incluso a menudo sin intervenir verbalmente. El autor únicamente con “estar” ya provoca sensaciones en el espectador, es decir, lleva implícito su mensaje.
  En contraposición están los actores americanos, que como son los más importantes e influyentes, está más extendido su estilo. Por ejemplo Al Pacino y Jack Nicholson, dos de los más grandes actores de los últimos tiempos, galardonados con Oscars y Globos de Oro, son sumamente histriónicos y expresivos en sus actuaciones, recibiendo algunas críticas por sobreactuar en ocasiones y ser demasiado caóticos y estrafalarios.


  Personalmente, aunque a priori, parece que el estilo inglés, más sutil, está mucho más elaborado, debido a que es más difícil transmitir las emociones de esta manera, y el estilo americano parezca más primario, no creo que un estilo sea mejor o superior al otro, ya que obviamente el estilo americano también tiene su complejidad y tiene que conseguir esquivar la sobreactuación. Simplemente son maneras distintas de entender e interpretar el arte dramático, teniendo ambas sus virtudes y defectos.

lunes, 24 de noviembre de 2014

EL ARTE Y LA PUBLICIDAD

En esta entrada  se pretende reflexionar sobre la relación entre el arte y la publicidad, entonces, llegados a este punto podemos buscar una definición que las relacione: "La creatividad sin estrategia, es arte. La creatividad con estrategia, se llama publicidad" Jef Richards, profesor de publicidad.

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 ¿El arte es publicidad? ¿ La publicidad es arte? Creo que es una tarea complicada pero, el arte no es publicidad en tanto que su función es estética y la publicidad no es arte en tanto que su función es comercial. Sin embargo, sí que podemos encontrar dos claras tendencias que los vinculan. A lo largo de este siglo hay una tendencia en algunos movimientos artísticos a utilizar recursos procedentes de la publicidad; del mismo modo, en publicidad podemos encontrar ejemplos de carteles o reclamos que tratan de acercarse en sus concepciones plásticas al arte.
Muchos artistas pop, como Warhol,  utilizaban elementos publicitarios en sus obras, no porque le gustara la forma plástica en si misma de la marca sino porque le permite utilizarlas como metáforas para explicar la sociedad consumista en la que vivía.


A continuación mi intención es sólo mostrar varios ejemplos de como, a través de las campañas gráficas, los publicistas han recurrido al mundo del arte como referencia constante. 

1. El uso que hizo NOKIA de  La Creación de Adán  de la Bóveda de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel y considerada la gran obra pictórica del autor.
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2.Otro caso utilizado recientemente sobre los frescos de la Capilla Sixtina, aunque no sobre el Nacimiento de Adán, fue el de Adidas en la parada de Metro de la Catedral de Colonia durante el Mundial de Fútbol de 2010. En este caso se trata de una representación de la obra ya que los personajes son sustituidos por futbolistas. 
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3.Campaña publicitaria sobre productos para el cabello de la marca Pantene, realizada sobre la famosa obra de Leonardo Da Vinci, La Gioconda.
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4.Otro ejemplo reciente es el de la Lechera (marca de postres lácteos) asociándolo con la obra de Veermer,  del mismo nombre.
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Por último, un videoclip  un poco absurdo del grupo musical Hold Your Horses titulado “70 MIllion”, que contiene interpretaciones de grandes lienzos de la pintura universal.


Sánchez Sarrió, Daniel
HAR  2ºA

martes, 4 de noviembre de 2014

El arte en la publicidad

La relación entre la publicidad y el arte es muy estrecha. Podemos ver ejemplos de arte en anuncios que se emiten a diario en cualquier cadena de televisión de formas muy diversas. La obra de arte usada no siempre mantiene su significado y/o forma original, sino que a veces los anunciantes la modifican para cambiar su significado, de forma irónica e incluso a veces con intención de darle el sentido contrario.

Es también necesario conocer con qué se relaciona la marca que incluye arte en su publicidad ya que esto nos dará más conocimiento sobre lo que quieren transmitirnos.

La publicidad puede utilizar obras de arte para crear notoriedad, informar, educar, cambiar actitudes, favorecer la recordación, construir imagen, determinar el posicionamiento, atraer al público, localizar nuevos clientes potenciales, entre otros objetivos. El arte connota una serie de valores, los cuales pueden aparecer ligados a la marca desde el momento en el que se produce la vinculación de ésta con una obra artística.

Sin embargo, esta inclusión del arte en la publicidad puede provocar cierta controversia, ya que hay quien considera que la obra artística expuesta producto publicitario se desgasta y denigra, perdiendo su esencia y valor. Por otra parte, hay quien apoya el arte en la publicidad, defendiendo la idea del arte para todos, de la transmisión de los conocimientos artísticos a un público de masas.


De esta forma y en mi opinión, la inclusión del arte en la publicidad no me parece una mala idea. Al incluir obras de artes, que por desgracia cada vez menos gente conoce, dentro de la publicidad que esta presente diariamente y durante toda la vida de prácticamente todo el mundo, se logra un aprendizaje indirecto y una apreciación de esta gente hacia el arte, pudiendo llegar a reconocerlo y diferenciarlo si en algún momento lo vieran en persona.



“Ultima cena de leonardo da Vinci” de la firma de ropa Marithe et Francois Girbaud
Ian Molina