Casa-Museo Benlliure

Situada en la calle de la Blanqueria, en Valencia, al lado del antiguo cauce del Río Turia y entre el museo Muvim y las torres de Serrano, este museo, que anteriormente fue usado como residencia del mismo autor de el que recoge sus obras hoy en día, pasa algo desapercibida. Cuando una persona pasa por delante de el museo, puede atraer su mirada por segunda vez, pero seguramente, y por desgracia, no lo suficiente como para atraerla a entrar, lo cual es una pena, ya que es dentro donde la casa-museo cobra su significado y su valor. Y es que es en este museo en el que se recoge la mayor colección de obras de José Benlliure Gil.

Nada mas entrar nos encontramos una planta baja con una serie de estancias domésticas en las que se encuentran expuestas varias obras, tanto de José Benlliure, como de algunos contemporáneos como Joaquin Sorolla, Muñoz Degrain, Rusiñol, etc... Cabe destacar también que las estancias están completamente amuebladas con elementos de epoca. En la primera planta lo que encontramos son trabajos del hijo de José, Peppino, y del escultor Mariano Benlliure.

En la parte de atrás de la vivienda encontramos un patio en el que tenemos un jardín de traza mediterránea, decorado con azulejos, esculturas y elementos arquitectónicos que el dueño fue recogiendo a lo largo de su vida de construcciones que iban siendo derruidas o rehabilitadas.

Al final del jardín hay una reconstrucción de lo que fue el estudio del autor, con varias de sus obras, elementos que usaba para estas (trajes que usaba como modelos, instrumentos musicales, armas, etc...).

En general me pareció una visita muy entretenida, ya que mezcla muchas cosas interesantes, desde obras del autor que, ademas, vivió en esa misma casa, obras de otros autores, familia o no de Jose Benlliure, hasta incluso el amueblamiento que tenia la vivienda en aquella época, lo que logra un ambiente que recrea los años en los que se vivió, y a la vez da ese toque de museo que consigue no ser monótono. Ademas el jardín que se encuentra entre la vivienda y el estudio le da el toque de naturaleza del que carecen prácticamente la mayoría de los museos. Con todo esto, es una pena que no sea tan conocido, ya que estoy convencido que mucha gente lo disfrutaría enormemente.

ANÁLISIS DE UNA FOTOGRAFÍA

Esta fotografía fue tomada por nosotros durante la primera semana de agosto de este verano en El Portet, Moraira (España), mientras grabábamos unas tomas para el vídeo que íbamos a hacer de nuestro paso por Moraira de este verano.
 La imagen tiene un tamaño estándar 10x15cm.
Lo mas llamativo de la fotografía es desde donde esta tomada. Al verla, el espectador puede pensar que esté tomada desde una avioneta, y no estaría mal encaminado, ya que fue tomada desde un Drone que tenemos y manejamos para obtener perspectivas aéreas para nuestros vídeos.
En la imagen obtenemos una perspectiva a vista de pájaro y sobre el propio mar de la cala de El Portet, Moraira.

La imagen es un retrato del paisaje costero donde nos encontrábamos, por tanto, se centra en mostrar la fusión del mar y la montaña que se da lugar en ella.

En cuanto al color, los tonos que mas destacan son los verdes, presentes en los árboles y las montañas sobre las que escalan las urbanizaciones, pero sobretodo, los tonos azules, presentes en el mar y el cielo de la composición,

La luz de la fotografía, obviamente se trata de una luz natural de primera hora de la tarde, que dota a la imagen de una claridad excepcional, característica del levante valenciano.

Uno de los aspectos mas interesantes de la imagen son los arboles, como juegan y se adaptan a las pequeñas urbanizaciones del entorno, y como salpican de color la trama urbanizada de la fotografía.
También destaca el color del mar, marcado por las rocas del fondo y las agrupaciones de algas que dotan a esa playa de un encanto especial.

Para concluir, os dejo el enlace del vídeo donde utilizamos esta toma para la introducción:

https://www.youtube.com/watch?v=HJcWOiN7g5Y&feature

CASA-MUSEU BENLLIURE

  De las tres prácticas de campo realizadas en la asignatura, es la visita a este museo la que más me ha interesado y con la que más he aprendido, es por esto que lo he elegido para hacer esta entrada del blog. He de decir que desconocía la existencia de este museo y es que, pese a que tiene un gran valor cultural, ya que contiene obras de uno de los más importantes pintores valencianos (ensombrecido por Joaquin Sorolla), está bastante maltratado y es poco visitado y conocido. 

  

  El Museo acoge las obras de José Benlliure Gil y de su hijo José Benlliure Ortiz también llamado Peppino, pero también encontramos obras de Mariano Benlliure, Joaquín Sorolla y Francisco Muñoz-Degrain. Recrea el ambiente de la casa donde vivió esta destacada familia de artistas valencianos y es un claro ejemplo de vivienda de la alta burguesía, con tres alturas (que reflejan una estratificación social) y jardín interior.

   

  En la casa-museo podemos ver los muebles de la época en buen estado de conservación, lámparas, armarios, alfombras y enseres domésticos, también los libros y piezas arqueológicas de José Benlliure. Distinguimos la sala de visitas, sus despachos, el comedor, dormitorios… En el primer piso se exponen pinturas de José Benlliure Gil, en el segundo piso pinturas de Peppino y en el tercero bocetos y pinturas de otros artistas.

  El acceso al museo conserva la típica puerta de casa de pueblo, muy amplia para permitir el paso a carros y animales, la escalera que conecta con las plantas superiores se sitúa a la derecha, dejando al fondo del vestíbulo el acceso al jardín que fue diseñado por el propio Benlliure y donde acumulaba esculturas, elementos cerámicos y objetos de piedra que obtenía de demoliciones que en esa época se producían en Valencia. Al fondo del jardín se sitúa el estudio del pintor, la fachada trasera de la vivienda, que da al jardín, es posiblemente la nota negativa del museo debido a que, está totalmente restaurada y no ha respetado el diseño original.

EL ARTE EN LA PUBLICIDAD

  Hoy en día es claramente apreciable la influencia que el arte tiene en la publicidad, así como antiguamente el arte representaba la alta cultura y la publicidad la cultura popular, en la actualidad convergen y es posible ver una obra de arte en un anuncio o viceversa, dependiendo de cómo se enfoque dicha obra. La publicidad ha jugado un papel fundamental en la transformación de la tradición, de la cultura, y juntamente con el arte ofrecen un producto cultural y un producto de consumo al mismo tiempo.

  

  Esta confluencia produce un debate, con dos puntos de vista. Hay quien rechaza esta práctica porque cree que exponer la obra artística como simple producto, la hace peor, la denigra. Sin embargo hay otras opiniones (entre las que yo me encuentro) que, defienden la democratización cultural que esto supone, permite la transmisión de cultura, de arte, de conocimiento al fin y al cabo, llevándolos a un amplio sector de la sociedad que no tiene acceso a grandes museos, galerías y exposiciones.

  

  

  Un ejemplo llamativo, original y bastante reciente, de publicidad/arte, es la restauración de El Ecce Homo. Esta pintura de Elías García, tuvo mucha repercusión a nivel internacional, cuando Cecilia Giménez “restauró” la obra de arte. Tras aparecer en todos los informativos, programas de televisión, periódicos, revistas, en las redes sociales… Se convirtió en un reclamo turístico y generó grandes ingresos económicos a la iglesia y al pueblo donde está ubicada.

  

  Ocasionó toda una oleada de versiones humorísticas, aparecieron representados personajes de actualidad y sirvió de base de multitud de chistes, siendo la comidilla de todas las conversaciones. Con el paso del tiempo, la obra pasó a ser un icono, incluso generando un gran número de peticiones que reclamaban, que se dejara la obra como estaba sin repararla.

  A continuación se muestran algunos ejemplos, de cómo las marcas aprovecharon este momento y utilizaron la restauración de la obra como reclamo.

-Optics Schilling: 

-Nintendo DS:

-Bodegas Ruperte:

-Bodegas Aragonesas:

Invierno en Alcudia de Veo

Esta fotografía fue tomada el último dia del año pasado, en un pueblecito de Castellón llamado Alcudia de Veo. La cámara en esta ocasión era una GoPro montada en un palo para conseguir unas fotos desde la altura. Ademas venia equipada de serie con un filtro de ojo de pez, lo que da una efecto redondeado a la foto.

En ella aparece un grupo de gente en un ambiente rural, ya que nos encontramos en un paseo en mitad del monte del pueblo ya mencionado. Aquí observamos una serie de bancos, y lo que es una mesa para meriendas abajo a la izquierda. Hay un camino que atraviesa la composición de izquierda a derecha por el medio de la foto, y por detrás de este camino arboles. Finalmente al fondo se vislumbra una montaña.

El hecho de que algunas personas estén mirando a la cámara y otras no, da a pensar que la foto fue avisada, pero que seguramente no todo el mundo se entero de que se estaba haciendo, o que decidieron no mirar al objetivo. Ademas, a parte del hecho de que la cámara estaba unida a un palo para conseguir hacer fotos desde una altura mayor, el fotógrafo en ese momento estaba subido en un terraplén, dándole mayor altura.

Para finalizar, respecto a la situación y momento de la foto, como ya he mencionado antes data del 31 de diciembre del 2013, en un paseo de Alcudia de Veo. Por el poco abrigo que lleva la gente podemos deducir que pese a ser invierno, o no hacia mucho frió, o el hecho de haber caminado durante un rato había hecho entrar en calor a los mismos.

Verano en Navajas

Esta foto fue tomada en un camino rural que hay un poco a las afueras de Navajas. La fotógrafa, una amiga que ademas es fotógrafa profesional, uso un filtro azulado en su cámara a la hora de hacer la foto.

La composición de esta es vertical. Podemos observar en ella un camino al que se accede y del que se sale por unas escaleras, y a la izquierda una fuente con una serie de caños, de uno de los cuales esta bebiendo otro amigo mio. El camino ocupa la mayoría de la composición, y al ser tomada la foto desde uno de sus accesos, queda alineado.

A parte de la persona bebiendo, hay otra (yo) subiendo las escaleras. La foto fue tomada sin preparacion ni aviso previo, por lo que salio al natural. Esta tomada desde un punto mas elevado del que me encontraba yo, de ahi el punto de vista.

Para acabar, señalar que esta foto fue tomada en verano, como se puede observar por la ropa.

Instrumentos del mundo

Se trata de una pequeña exposición realizada por aula museo Musit. En ella se exponen diferentes instrumentos tradicionales del mundo. Esta exposiciónexposición recoge las cuatro familias de la clasificación instrumental:
Aerófonos: aquellos instrumentos que se hacen con el       aire.
Cordófonos: aquellos que se hacen sonar por la vibración de las cuerdas.
Membranófonos: aquellos que se hacen sonar por la vibración de una membrana.
Idiófonos: aquellos que se hacen sonar golpeándose contra sí mismos.
Los instrumentos estaban colocados por grupos de familias dispuestos sobre unas mesas cubiertas con telas rojas, de esta manera los instrumentos destacaban más. Y se completaba con unos paneles informativos que contenían información de los instrumentos y las diferentes familias.
La misma también contaba con una exposición oral por parte de los responsables del aula museo Musit. En ella explicaban más detalladamente cada instrumento, su historia,... Además de una pequeña demostración de como sonaba el instrumento.
Me pareció una exposición interesante y entretenida ya que trataron de hacerla más interactiva. Y trataron de acercarla más a los niños enseñándoles a construir sus propios instrumentos tradicionales. Pues su objetivo es crear afición.

Antes de que desaparezcan

Esta fotografía pertenece a Jimmy Nelsson, reportero gráfico y fotógrafo británico (nacido en 1967 en Sevenoaks, Kent, vive en Ámsterdam e Ibiza) y realiza fotografía de publicidad y editorial, y conocido por sus retratos de los pueblos indígenas y tribales.

Una de las curiosidades de Nelsson y algo que sin duda ha marcado su carrera es qu vivio en África hasta los 10 años, y en ella se ha inspirado la gran parte de su trabajo

Para mi es algo increíble, ya que Nelsson consigue traernos imágenes increíbles e impactantes, que parecen de otro mundo y otra época, pero no, son actuales, como mucho de los últimos 20 años, Nelsson consigue abrirnos la mente, y enseñar que no todos somos iguales, que hay culturas extraordinarias apartadas y rechazadas por la sociedad actual pero que seguro que en muchas cosas se pueden considerar mas avanzados que la nuestra.

En la imagen podemos ver a un individuo de una de esta tribus, en este caso parece alguien importante, por la cantidad de abalorios y el sombrero. 

Una de las cosas que mas destaca son los colgantes, pendientes, hojas, y más aun la vara de madera que le atraviesa el puente nasal, algo que a simple vista nos parece de otro mundo o de otra época, cuando nosotros los jóvenes a la mínima que podemos nos hacemos piercings o nos tatuamos.

Pero sin duca lo que mas destaca es el color de su cara, de un amarillo muy intenso en el que se ven marcadas la fracciones de su cara, a parte de las líneas rojasqie le cubren mejillas y cejas, esto otorga un color muy llamativo que unido a la composición tan oscura de la foto, por su fondo y por la propia pilen del personaje crea un contraste digno de observar con detenimiento.

La publicidad y el arte

La publicidad y el arte

Relación ejemplificada sobre la unión histórica publicidad-arte

A lo largo de la historia de la publicidad el publicitante ha buscado de las maneras mas rebuscadas e inimaginables la atención de el público, se podrían nombrar numerosas estrategias y técnicas con las que se puede llamar la atención para captar usuarios, compradores o interesados.

Pero si hay algo claro es que muchos de estos publicitantes han utilizado el trabajo ya hecho, es decir, que ya antes de ellos alguien utilizó estos recursos para catar la atención y suscitar emociones o sensaciónes, se trata de los artistas.

Esta claro que y se podría nombrar numerosos ejemplos de esta relación, pero lo realmente importante es que lo que unos un día hicieron por arte, investigación, o por pura belleza , hoy en día y en los últimos años se esta utilizando como método de captación de clientes, es decir, para ganar dinero.

Un ejemplo curioso y atípica que he encontrado es este enuncio de la compañía automovilística Mazda:

En este anuncio podemos ver claramente una relación artística entre el cubismo vanguardista de principios del siglo XX con este nuevo modelo de coche.

Se relacionan por que la idea basica del cubismo era representar diferentes perspectivas en dos dimensiones a traves de un sistema de planos y facetas, esto lo podemos observar en el cuadro de la mujer desnuda, donde la padre derecha tiene diferente perspectiva que la izquierda, al igual de en el coche, donde a la derecha lo vemos de cara pero a la izquierda de perfil.

Este es uno de muchos ejemplos de relación de arte-publicidad, pero sin duda, lo que esto demuestra es que realmente los artistas han sido grandes genios, y que hoy en día, aunque sea para algo tan banal como la publicidad, imitamos y copiamos sus tendencias y métodos

Bici de veraneo

  Esta fotografía se realizó en el verano de 2014, se trata de mi bici de verano, con la playa y el mar de fondo, perteneciendo al género de paisaje. La luz es natural, con mucha intensidad y el foco situado fuera de la imagen, con dirección de arriba abajo (que se aprecia por la proyección de la sombra de la bici). La distancia focal es corta, pero tiene mucha profundidad. Tiene un formato horizontal y el punto de vista es paralelo al plano del suelo, aportando estabilidad y tranquilidad a la composición. Se aprecian dos ejes que estructuran la imagen, uno vertical formado por la farola y la palmera, y otro horizontal formado por el muro.

  

  La imagen está tomada en Piles, me recuerda a mis veranos, mi estación favorita, donde no pasa el tiempo. El calor del sol, la brisa del mar, el agua refrescante y relajante, la calidez de la arena, son aspectos que creo que refleja la fotografía. El sujeto principal de la fotografía, es una bici de mi abuelo que juntos reparamos y que yo utilizo en esta época del año, por eso cada vez que la veo me acuerdo de él y de mi estilo de vida en verano.

El Teatro Romano de Sagunto

  Esta fotografía se realizó el pasado 18 de Octubre, se trata del teatro romano de Sagunto, perteneciendo al género de vista urbana. La luz es natural, abundante y el foco está situado fuera de la imagen, con una dirección derecha-izquierda. La distancia focal es larga, teniendo mucha profundidad, pero debido a la gran dimensión del edificio, parte de éste queda fuera de la imagen. Tiene un formato apaisado y el punto de vista es picado, es decir, la cámara se sitúa por encima del objeto fotografiado. Se puede apreciar equilibrio, simetría y el gran peso que tiene la escena en el objeto arquitectónico.

  La obra levantó una gran polémica y propició un debate (muy crispado y manipulado) sobre los criterios de intervención en monumentos, siendo discutida todavía en la actualidad. La intervención realizada por G.Grassi y M.Portaceli, tiene 3 características: la unidad cávea-escena, la diferenciación de la parte original y la intervenida, y el retorno de la función para la cual, fue concebido el edificio. Rompe con el concepto de reparación/conservación y es un ejemplo claro de este tipo de rehabilitación en ruinas históricas.

JUEGO DE LUZ

Esta fotografía trata de un Workshops en mi escuela de arquitectura. El tema estaba de reinterpretar un lugar abandonado, y de crear espacios con la ayuda de bambú.

La fotografía fue tomada en el fin de la tarde y había una ventana en la parte superior a la izquierda de la fotografía. Entonces, podemos ver una luz que ilumina los bambús. Lo que es interesante en esta fotografía es de ver como una intervención artística puede mezclarse con un lugar abandonado y puede cambiar la percepción de un lugar. El fin de este trabajo fue de ver como podemos intervenir sobre un lugar para le dar otra significación, otro uso, con la ayuda de solamente un material. 

En nuestra propuesta había un juego de luz con la densidad de los bambús que se reflejaba sobre el suelo y el muro. En esta fotografía podemos ver los efectos de luz que puede crear esta instalación. Esta fotografía fue tomada al momento del día donde había los más efectos de luz. 

ELOGIO DE LA SOMBRA

Esta fotografía fue tomada en el convento “Saint Marie de la Tourette”, edificio de Le Corbusier que fue construido en 1956 en el pueblo de Evreux en el Norte Oeste de Lyon. Este convento fue construido para el centro de formación de los jóvenes monjes Dominicanos.

Esta sala es en el lado del coro, es la sala de oración.

La fotografía fue tomada en negro y blanco para hacer hincapié en la luz y las sombras. En efecto el trabajo sobre la luz en las obras de Le Corbusier es muy importante. Aquí trabaja con luz cenital gracias a cañón de luz situado en el techo.

Me parece interesante de hacer la fotografía en negro y blanco aunque el color es también una cosa importante en esta obra porque la luz tiene un carácter importante particularmente en este edificio. La luz permite de aumentar el carácter sagrado de este lugar. Como lo vemos en esta sala, el tratamiento de la luz por el techo y el juego con las sombras crea un lugar íntimo y sagrado.

Me parece importante que la fotografía puede transmitir el sentimiento de un lugar. 

En esta imagen aparece un solo personaje en primer plano. Aparece en el centro de la composición y está seccionado a la altura de la cintura. En un segundo plano los chorros de agua de una fuente.
La imagen tiene un punto de vista elevado. El personaje es enfocado desde arriba, y de esta manera el suelo se levanta y ocupa el resto de la imagen.
En cuanto a la luz que ilumina la escena es, una luz artificial que proviene de las farolas de la calle. Aunque no aparece un foco de luz claro en la imagen, por las sombras que se crean vemos que la escena está iluminada desde la derecha. Y también produce reflejos en el agua.
En esta imagen está muy presente el movimiento. En el momento de la fotografía había movimiento, que ha sido fotografiado dejando un rastro de las secuencias del mismo que nos permite intuir el movimiento que estaba llevando a cabo el personaje.
El personaje de la fotografía es mi primo pequeño y fue tomada una tarde cualquiera de paseo por la ciudaad. Creo que con el barrido de la imagen se plasma perfectamente la energía y la hiperactividad que tienen niños pequeños, y es para mí lo que representa.

LA CONTENCIÓN Y LA EXPRESIVIDAD EN EL ARTE DRAMÁTICO

  La expresión del rostro y de los gestos ha sido un tema trascendental en la historia del arte, diferentes movimientos, épocas y artistas, lo han abordado de distinta manera. Encontramos por un lado la inexpresividad e hieratismo del arte arcaico como podemos ver en los Kouros, la distorsión y expresividad del arte gótico y medieval, como ejemplo las figuras del Pozo de Moisés de Claus Sluter. Por otro lado, podemos ver claramente las diferencias en la interpretación del David, mientras que el de Miguel Ángel representa la placidez y sobriedad típica del arte clásico y renacentista, la obra de Bernini denota el dinamismo, movimiento y emoción del arte barroco.

  En este comentario quiero analizar estos aspectos en profundidad y su aplicación en el arte dramático, es decir, en el cine, el teatro y las series de televisión. Es llamativa la diferencia entre dos de los más importantes grupos de actores, entre los actores ingleses y los actores americanos.

  Los seguidores de la serie de HBO Juego de Tronos, de gran éxito internacional, están fascinados con Charles Dance, que interpreta a Tywin Lannister (el malo malísimo que toda gran historia debe tener). Si hay algo que caracteriza a este personaje es la frialdad y el miedo que inspira cada vez que aparece en escena y es que éste, es un personaje profundamente inquietante. Sin embargo, si analizamos formalmente sus actuaciones, nos damos cuenta que el actor logra transmitir todo esto, con una contención brutal típica de la escuela inglesa, sin apenas expresión en su rostro y movimientos e incluso a menudo sin intervenir verbalmente. El autor únicamente con “estar” ya provoca sensaciones en el espectador, es decir, lleva implícito su mensaje.

  En contraposición están los actores americanos, que como son los más importantes e influyentes, está más extendido su estilo. Por ejemplo Al Pacino y Jack Nicholson, dos de los más grandes actores de los últimos tiempos, galardonados con Oscars y Globos de Oro, son sumamente histriónicos y expresivos en sus actuaciones, recibiendo algunas críticas por sobreactuar en ocasiones y ser demasiado caóticos y estrafalarios.

  Personalmente, aunque a priori, parece que el estilo inglés, más sutil, está mucho más elaborado, debido a que es más difícil transmitir las emociones de esta manera, y el estilo americano parezca más primario, no creo que un estilo sea mejor o superior al otro, ya que obviamente el estilo americano también tiene su complejidad y tiene que conseguir esquivar la sobreactuación. Simplemente son maneras distintas de entender e interpretar el arte dramático, teniendo ambas sus virtudes y defectos.